Terciopelo azul (1986)

Por último comentaremos sobre la pelicula Terciopelo azul (Blue Velvet) de 1986 dirigida y escrita por David Lynch, esta cinta tuvo un éxito crítico enorme en 1986 y fue considerada por muchos para ser la mejor del año. Desde entonces es considerada un clásico y ha lanzado a su director, David Lynch, al estrellato internacional.

• Título original: Blue Velvet
• Director: David Lynch
• Productora: De Laurentiis Entertainment Group (DEG)
• Año: 1986
• País: Estados Unidos
• Género: Intriga. Cine negro. Drama, Thriller psicológico. Película de culto.
• Guión: David Lynch
• Música: Angelo Badalamenti
• Fotografía: Frederick Elmes
• Reparto: Kyle MacLachlan, Isabella Rossellini, Dennis Hopper, Laura Dern, Dean Stockwell,George Dickerson, Jack Nance, Hope Lange, Brad Dourif, Priscilla Pointer, Frances Bay.
• Duración: 120 min

• Sinopsis: 

Una mañana, Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan), después de visitar a su padre en el hospital, encuentra entre unos arbustos una oreja humana. La guarda en una bolsa de papel y la lleva a la comisaría de policía, donde le atiende el detective Williams (George Dickerson), que es vecino suyo. Comienza así una misteriosa intriga que desvelará extraños sucesos acontecidos en una pequeña localidad de Carolina del Norte.

En los inicios de la cinta una panorámica nos muestra una ciudad que se despierta por la mañana, todo el mundo está muy contento y nos saluda, los barrenderos, los niños que van al colegio, el anciano que pasea a su perro..., de repente la cámara nos lleva al suelo, se mete en el césped de un descampado y repara en un objeto lleno de insectos a su alrededor;... es una oreja humana en estado de descomposición.  Este alucinante y sarcástico comienzo sirve como metáfora de las apariencias en las sociedades del bienestar, y de lo cerca que está esta apariencia de serenidad de los submundos y la perversión.

A través de los personajes de Kyle MacLachlan y Laura Dern, ansiosos de curiosidad y de morbo (él ha encontrado la oreja y se dispone a descubrir caprichosamente el porqué de la situación), el espectador es bajado directamente a los infiernos, representado por la cantante de club de carretera del personaje de Isabella Rossellini, y por el peligroso psicópata que encarna Dennis Hopper, así como Dean Stockwell y su indescriptible cuadrilla.

Como vemos, Lynch dirige prodigiosamente una de las películas que más se asemeja a una auténtica pesadilla, pues el aspecto que presenta la película en casi todo momento es onírico y surreal.

Link de Fragmento de Película:

https://www.youtube.com/watch?v=_F5TajVE3ks

La profecía (1976)

Ahora comentaremos sobre La Profecía, una trama está basada en una idea original del productor Harvey Bernhard, quien contrató al guionista David Seltzer para preparar el guión. Con el director, Richard Donner, realizada en 1976, y lejos de concebir la película dentro de los parámetros del terror, el realizador se propuso hacer de ella un film de misterio y suspense, dotándola así de una atmósfera mucho más aterradora.

• Título original: The Omen
• Director: Richard Donner
• Productora: 20th Century Fox
• Año: 1976
• País: Estados Unidos
• Género: Terror, Intriga
• Guión: David Seltzer
• Música: Jerry Goldsmith
• Fotografía: Gilbert Taylor
• Reparto: Gregory Peck, Lee Remick, David Warner, Billie Whitelaw, Harvey Stephens, Leo McKern, Patrick Troughton, Robert Rietty, Martin Benson
• Duración: 111 min.
• Sinopsis:

Cuando Kathy Thorn da a luz a un bebé muerto, su esposo Robert le oculta la verdad y sustituye a su hijo por un niño huérfano, ignorando su origen satánico. El horror empieza cuando, en el quinto cumpleaños de Damien, inesperadamente, su niñera se suicida. Un sacerdote que trata de advertir a Robert del peligro que corre, muere en un inesperado accidente. El creciente número de muertes hace que Robert, por fin, se dé cuenta de que el niño que han adoptado es el Anticristo y que hay que eliminarlo para impedir que se cumpla una terrible profecía.

En esta cinta, la actividad terrorífica se elabora en la sutileza de sus acontecimientos, más psicológicos que explícitos, donde los detalles son difusos para sus protagonistas como lo fueron Gregory Peck y Lee Remick, sin descuidar a David Warner, Billy Whitelaw o el pequeño Harvey Stephens y su interpretación de Damien, todos ellos dieron credibilidad a un relato que helaba la sangre precisamente por carecer de ella y basarse en la paranoica búsqueda de algo que pareciendo evidente no lo era tanto, jugando con ellos al gato y al ratón hasta su conclusión.

Pues aunque El pequeño Damien es el Anticristo, en ningún momento se nos presenta la amenaza como algo evidente. Poco a poco se van sucediendo las muertes y las desgracias, pero todas con la apariencia de extraños accidentes. Incluso hay momentos en los que podemos llegar a pensar que todo es producto de la locura de los personajes.
Esas escenas de muerte, sin necesidad de recurrir a grandes artificios están rodadas con maestría por Donner. No son sangrientas, pero sí espectaculares y tremendamente gráficas e impactantes. Ahorcamientos en medio de una fiesta de cumpleaños, un empalado por el pararrayos de una iglesia, o la decapitación de uno de los personajes principales, con ese espléndido plano a cámara lenta de su cabeza volteando en el aire y que son auténticos golpes de efecto a medida que la película avanza, que sumergen al espectador en un estado paranoico y de miedo absoluto.

Link de Película: 

https://www.youtube.com/watch?v=m7PHzaN0L8Y

El bueno, el feo y el malo (1966)

Ahora degustemos de la década de los 60´ en el cual veremos: El bueno, el malo y el feo, es una película del subgénero de spaghetti western estrenada en 1966, con un rodaje que se llevó a cabo entre las provincias de Madrid, Burgos y Almería.

• Título original: Il buono, il brutto, il cattivo
• Director: Sergio Leone
• Productora: Coproducción Italia-España-Alemania del Oeste; Produzioni Europee Associati (PEA) / Arturo González P.C. / Constantin Film Produktion
• Año:1966
• País: Italia
• Género: Western | Spaghetti Western. Guerra de Secesión. Película de culto.
• Guión: Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Luciano Vincenzoni, Sergio Leone
• Música: Ennio Morricone
• Fotografía: Tonino Delli ColliRepartoClint Eastwood, Lee Van Cleef, Eli Wallach, Aldo Giuffrè, Rada Rassimov, Mario Brega, Luigi Pistilli, Aldo Sambrell, Enzo Petito, Claudio Scarchilli, Al Mulock, John Bartha, Livio Lorenzon, Antonio Molino Rojo, Sandro Scarchilli, Chelo Alonso
• Duración:161 min.

• Sinopsis:

Durante la guerra civil norteamericana (1861-1865), tres cazadores de recompensas buscan un tesoro que ninguno de ellos puede encontrar sin la ayuda de los otros dos. Así que colaboran entre sí para conseguir el botín. 

Esta película está llena de planos generales, textura de época, estética detallista, y una fotografía de primer nivel. Todo salpicado de humor negro, (generalmente de la mano del magnífico Eli Wallach), miradas capaces de hablar por si solas, momentos de acción y comentarios ingeniosos; y aun así tiene tiempo suficiente para retratar el drama de una guerra de secesión, donde la miseria moral, se reparte a partes iguales entre ambos bandos.

Sus personajes son una exprecie de estereotipación de los clásicos protagonistas de los westerns, sólo que aquí la línea que separa a uno de otro nunca está clara. El bueno mata, el feo mata, y el malo mata. Como todo personaje leoniano, estos tres se guían por el instinto humano de supervivencia, o ellos o él. Quizás con respecto a sus otros westerns, observamos una diferencia con el personaje de Tuco. Mientras Sentencia y Rubio viven el presente, puesto que no tienen pasado ni futuro, conforme pasa la película, nos damos cuenta de que tiene unos demonios interiores que despierta su hermano, el monje Pablo Ramírez. Un pasado trágico que fue lo que le condujo a ser un pendenciero. Y realmente, el propio Tuco es quien se gana las simpatías del espectador por su carácter bufonesco.

Link de Película:

https://www.youtube.com/watch?v=npvF3De49SE

Rififi (1955)

En esta oportunidad veremos la película Rififi, el cual, está basado en las obras del autodidacta escritor francés, Auguste Le Breton, sobre el detective Mike Cappolano que iniciara con el título de Rififi en el año 1953 en la forma de un romance ambientado en el parisino barrio de Montmartre, y que diera pie a toda una saga de novelas posteriores con el título de Rififi.

• Título original: Du rififi chez les hommes
• Director: Jules Dassin
• Productora: Pathé Cinéma
• Año: 1955
• País: Francia
• Género: Policíaco, Cine negro, Suspense
• Guión: Jules Dassin, René Wheeler, Auguste Le Breton
• Música: Georges Auric
• Fotografía: Philippe Agostini (B&W)RepartoJean Servais, Carl Möhner, Robert Manuel, Jules Dassin, Magali Noël, Pierre Grasset, Robert Hossein, Janine Darcey, Marie Sabouret, Claude Sylvain 
• Duración: 117 min

• Sinopsis: 

Después de cumplir cinco años de condena, Tony Le Stephanois sale de prisión con la intención de cambiar de vida, pero se encuentra con que su amante está con un conocido gángster. Como carece de recursos económicos, no le queda más remedio que volver a su vida pasada y reunirse con sus viejos compinches. Durante semanas prepara minuciosamente con ellos un golpe perfecto: el atraco a una inaccesible joyería de París. Datos y cifras.

En la película se trata el tema de la amistad, venganza, trabajo riguroso, violencia de género, delación, infancia, reinserción social de ex reclusos. También es destacable el nivel de detalle y precisión con el que es descrito el atraco a la joyería, en una escena de 32 minutos, en la que el silencio, la ausencia de música, la escasez de luz y la narración visual, crean un clima de tensión, que atrapa al espectador hasta convertirlo en partícipe de la acción. Se condena la violencia contra la mujer en una secuencia escalofriante, cuyo punto culminante se narra fuera de campo. Las secuelas en la espalda y hombros de Malo se muestran en una escena posterior.Por otro lado, la maldad de los delincuentes, contrastada con la deliciosa inocencia de un niño de 5 años, en algunos casos se combina con respuestas heroicas, que denuncian la pobreza de medidas de reinserción del sistema penitenciario.

La música se basa en una partitura de melodías jazzísticas, de ecos dramáticos y fatalistas. Se incluyen fragmentos de bandas sonoras: "El salario del miedo", "Moulin Rouge" (1952) y otras. Además la fotografía acentúa la iluminación sombría de las escenas. El director se negó a rodar exteriores en días de sol. Contiene travellings, movimientos de cámara y una capacidad de inventiva cinematográfica, que evidencian un excelente montaje y una soberbia dirección. En síntesis, la dirección aporta una enorme riqueza de detalles y matices e imprime a la acción un ritmo absorbente.

Link de Película: 

https://www.youtube.com/watch?v=iLfwookfYxQ

The Stranger / El Extraño (1946)

Ahora hablaremos de una nueva película titulada El Extraño (también traducida como El extranjero) dirigida por Orson Welles considerada como un preludio a su obra y su dialéctica de la realidad y las apariencias, su visión de la verdad y la mentira, y sobre todo: enseñaros a disfrutar de su impecable puesta en escena y su fascinación por la imagen. The Stranger es fruto de un guión de A.Veiller a partir de una original idea del director y guionista ruso David Trivas, y dirigida en el año 1946.

• Dirección : Orson Welles.
• Producción : Sam Spiegel.
• Género: Drama, Intriga
• País: Estados Unidos.
• Guión: Anthony Veiller.
• Reparto : Edward G. Robinson, Loretta Young, Orson Welles, Philip Merivale, Richard Long, Konstantin Shayne, Billy House.
• Música : Bronislaw Kaper.
• Fotografía : Russell Metty.
• Duración: 92 minutos

• Sinopsis:

La trama comienza cuando el señor Wilson (Edward G. Robinson) de la Comisión de Crímenes de Guerra de la ONU busca a un nazi fugitivo, Franz Kindler (Orson Welles), un criminal de guerra, difícil de atrapar.Para encontrarlo, Wilson sigue a un antiguo camarada de Kindler llamado Meinike hasta Harper, Connecticut, lamentablemente este último es asesinado por el mismo Kindler antes de que Wilson pueda identificarlo. La única pista que le queda es la fascinación del criminal nazi por los relojes antiguos. Kindler ha cometido muchas atrocidades en los campos de concentración y esconde su secreto con mucha discreciónpor ello dispone de una nueva identidad, Charles Rankin, y vive con su mujer.

Esta cinta nos envuelve en su trama de forma precisa e in-tensa, jugando con un dominio incomparable de los elemen-tos visuales del género y un sentido del ritmo, en el cual, encontramos como tema principal la ceguera amorosa, el desconocimiento, y la apariencia personal que desarrolla un thriller de contexto coyuntural, Es además un brillante ejemplo del poderío visual e intensidad narrativa que poseía el genio del cine Orson Welles, marcado por el abrumador barroquismo estético de su autor, empleado para enfatizar y definir la acción. Es muy destacable también la penetrante exposición psicológica del personaje femenino principal, una mujer atrapada entre el amor hacia su marido y el atroz pasado que esconde y que se niega a considerar.

Por otro lado, el trabajo de iluminación y fotografía son excepcionales, con claroscuros tenebristas que crean esa atmósfera inquietante en la que se desenvuelve toda la historia, y una generación de sombras que consigue que éstas se conviertan en un personaje más.

Link de Película:
https://www.youtube.com/watch?v=GO3Yrg9dmx0

The 39 Steps (1935)

De la década de los 30´ hemos traído la película: The 39 Steps o Los treinta y nueve escalones, está basada en la novela homónima de John Buchan. La cinta es un claro ejemplo de porqué Hitchcock está considerado como el perfecto creador de ambientes.  

Debemos destacar que Hitchcock se proclamó como el primer maestro de Suspense. Revolucionó el uso de la cámara haciendo que el espectador se convierta en el punto de vista o foco de la trama. También fue un innovador del montaje ya que utilizaba de forma magistral los diferentes planos para provocar diferentes emociones como el terror, el odio o los estados psicóticos de sus personajes.

• Dirección : Alfred Hitchcock.
• Producción : Michael Balcon.
• Género: Policíaco, misterio, thriller
• País: Reino Unido
• Guión: Charles Bennett, Ian Hay.
• Reparto : Robert Donat, Madeleine Carroll, Lucie Mannheim, Godfrey Tearle, Peggy Ashcroft, John Laurie, Helen Haye, Frank Cellier, Wylie Watson.
• Música : Charles Williams, Hubert Bath, Jack Beaver.
• Fotografía : Bernard Knowles.
• Duración: 87 minutos

• Sinopsis:

La trama comienza en un teatro de Londres presentando a un Robert Donat en el papel de Richard Hannay que se divierte observando el espectáculo de exhibición de poderes mentales del Señor Memoria -Wylie Watson-. Sin embargo, en una fracción de segundo comienza el caos ya que se produce un disparo y comienza una intensa pelea. Es entonces cuando Hannay conoce a una asustada Annabella Smith -Lucie Mannheim-, con la que escapa a su apartamento. Qué casualidad que se trate de una espía que ha descubierto unos importantes secretos del ejército británico.
Como era de esperar, todo lo que sucede forma parte de un oscuro plan ideado por el enigmático cabecilla de una clandestina organización denominada Los 39 escalones.

En esta historia de espías aunque se presenta algunas secuencias inverosímiles capta por completo la atención del espectador, introduciéndolo en la trama. Sus interpretaciones son muy buenas, ayudadas por una gran cantidad de diálogos y una ambientación mas que correcta. Debemos agregar que la película esta llena de constantes giros y variaciones de espacios, lo cual se menciona que contiene cierto parecido en su planteamiento, con lógicas variantes, a una posterior obra maestra del autor, “Con la muerte en los talones”.
En “Los 39 escalones” hallaremos intriga, suspense, aventura, acción y el humor en un film que carece prácticamente de escenas de transición. Además que siempre indica un detalle, una mirada, un diálogo o un sonido que hace mantener atento e interesado a su cliente, el público, sin mencionar su interactividad sentimental que tiene. 

Link de Película:

https://www.youtube.com/watch?v=dQvYUfD1HrQ

EXPRESIONISMO ALEMÁN  Metrópolis (1927)

Ahora vayamos a comentar sobre una de las películas más importantes del expresionismo alemán. Está basada en una novela de ciencia ficción escrita por la esposa de Fritz Lang, Thea von Harbout, realizada en 1927, el cual nos transporta a gran ciudad-estado o Metrópolis del siglo XXI que plantea una brutal división entre obreros o esclavos y la clase elitista.

• Dirección : Fritz Lang.
• Producción : Erich Pommer.
• País: Alemania
• Guión: Thea von Harbour.
• Reparto : Brigitte Helm, Gustav Fröhlich, Alfred Abel, Rudolf Klein-Rogge.
• Música : Gottfried Huppertz.
• Fotografía : Karl Freund, Gunther Rittau, Walter Ruttmann.
• Duración: 119 minutos.

• Sinopsis:

En la historia, los obreros viven hacinados en el subsuelo donde se halla establecida toda la maquinaria industrial que se utiliza en pro de la clase rica que vive en la superficie. Se plantea por tanto una lucha de clases en la que María, una revolucionaria e inteligente obrera del submundo le muestra a Freder, hijo de Joh Fredersen, el magnate que gobierna la metrópolis, lo que significa la vida subterránea y sus lamentables condiciones de vida y trabajo. En definitiva, una visión funesta de un futuro tecnócrata y capitalista abierta a muchas interpretaciones y comentarios que esperamos hagáis vosotros.

Además es importante destacar el trabajo de ambientación fotográfica y decorativa en la que se representa un diseño y una arquitectura realmente impactante y vanguardista. El propio Fritz Lang reconocía que se inspiró en los grandes rascacielos de Nueva York la primera vez que pudo contemplarlos. 

Maqueta utilizada en la película Metrópolis

Metrópolis se construye, mediante el recurso al contraste entre opuestos. Lo ultramoderno y lo medieval. El hombre y la máquina. El rutilante mundo de los patricios y el triste y oscuro de los obreros. El arriba y el abajo. Pero la contraposición más fuerte es entre pasión y odio a muerte. Aunque sea el amor entre Freder y Maria lo que inicie el conflicto, si acaba resolviéndose de modo positivo es, paradójicamente, porque más implacables son Joh Fredersen y Rotwang que ponen en marcha la catástrofe, cuyo vehículo será el robot que asume los rasgos de María y que será la portadora del apocalípsis. Y lo hacen por razones distintas. El primero, que encarna la fría opresión del raciocinio, decide escarmentar a los obreros para que sepan cuál es su sitio. El segundo, que es la imagen del odio sin freno, buscando la venganza definitiva por la pérdida de su amada, decide destruir todo y a todos, a Metrópolis y a cuantos la habitan, sobre o por debajo de la superficie.

Link de la película:
https://www.youtube.com/watch?v=pT4A-76CS28

            CINE MUDO: EE.UU. - 20,000 Leagues Under the Sea / 

20000 Leguas de Viaje Submarino (1916)

En esta oportunidad comentaremos sobre la película 20.000 Leguas de Viaje Submarino, basada en la novela de ciencia-ficción de Jules Verne, es una película muda que se estrenó en 1916 gracias a una productora emergente: Universal Studios, que en aquella época se denominaba como The Film Company Universal, fundada en 1912, entre otros, por el productor de origen alemán: Carl Laemlee, uno de los pioneros del cine americano y productor de 20.000 Leagues Under The Sea.

Supuso un impulso importante para el cine ya que posiblemente fue la primera película con escenas submarinas. Curiosamente no se utilizaron cámaras submarinas reales, sino un sistema de tubos y espejos que permitió a la cámara disparar imágenes reflejadas bajo aguas poco profundas iluminadas por el sol. En la cinta se cuidaron con mucho mimo los efectos especiales, la fotografía y el vestuario. Además cabe señalar que se utilizaron barcos reales y una maqueta a tamaño real del mítico Nautilus.

• Dirección : Stuart Paton.
• Producción : Carl Laemlee.
• País: EE.UU.
• Guión: Sutart Paton.
• Reparto: Allen Holubar, Jane Gail, Matt Moore, William Welsh, Curtis Benton, Dan Hanlon y Edna Pendleton.
• Fotografía : Eugene Gaudio.
• Duración: 105 minutos.

• Sinopsis:

En 1870, existieron muchos relatos de marineros que aseguraban haber visto un monstruo marino al sur del Pacífico, los Estados Unidos fletan un buque de guerra para destruir a la bestia que altera la tranquilidad de los mares, en la que figuran el célebre profesor de Historia Natural Pierre Aronnax, su ayudante Conseil y el experto arponero canadiense Ned Land, a bordo de la fragata estadounidense Abraham Lincoln. El monstruo resulta ser un sorprendente submarino a las órdenes del capitán Nemo.

Capitán Nemo

 El capitán Nemo, el sabio atormentado y desengañado de la raza humana, en el que confluyen el individualismo libertario y un exacerbado sentido de la justicia, se ha convertido sin duda en uno de los paradigmas de la novela de aventuras y su presencia ya bastaría para justificar el lugar de honor que ocupa Veinte mil leguas de viaje submarino en el género. Y sin embargo contiene muchos otros alicientes: emoción, conocimiento, suspenso, personajes inolvidables, lances inesperados.

En esta película se materializa la iconografía del submarino ovoide y su ventana a la inmensidad subacuática, la caracterización del Capitán Nemo (Allen Holubar) como un exótico, desterrado o los intrépidos submarinistas en escafandras luchando contra la corriente para investigar el territorio submarino. También se debe mencionar los escenarios tanto en la isla como en el interior del submarino, e incluso el pueblo donde vivía el capitán Nemo con su familia. Características importantes como el poco movimiento de la cámara, planos generales para presentar los paisajes, pequeños acercamientos, dando mayor énfasis en el rostro y acciones de los personajes para reconocer sus sentimientos y emociones; uso de algunos flash back para los recuerdos del capitán. Por ultimo existe un equilibrio en el ritmo de la película, ya inicia de forma pausada presentando la situación de cada personaje que al parecer no tienen mucha relación pero luego se va dando pistas en el desarrollo del del conflicto dando a conocer el secreto del capitán; y su pronto desenlace casi inesperado.

  

Link de la Película:

https://www.youtube.com/watch?v=4c4XwhmmxrA

CINE MUDO FRANCÉS

Voyage Dans La Lune  / Viaje a la luna (1902)

Comenzaremos nuestro recorrido por mi historia del cine con la película Voyage Dans La Lune o “Viaje a la Luna” dirigida en 1902 y considerada la primera película que introdujo un nuevo género en el Cine: la ciencia ficción. Basado en las novelas De la Tierra a la Luna, de Julio Verne, y Los primeros hombres en la Luna, de H. G. Wells.

•  Dirección y Producción : Georges Méliès  / Star film       País: Francia
•  Guión: Georges Méliès.
•  Reparto : Victor André, Bleuette Bernon, Brunnet, Jeanne d´Alcy, Henri Delannoy,    Depierre,    Farjaut, Kelm, Georges Méliès
•  Fotografía: Michaut, Lucien Tainguy
•  Duración: 14 minutos

·         SINOPSIS:

En el Congreso Científico de Club de Astrónomos, se traza el enloquecido plan de enviar una nave espacial a la luna. La expedición es encabezada por el presidente, Barbenfofouillis (Barba retorcida); crean para ello una nave espacial, que lanzarán hacia la luna disparando un potentísimo cañón, haciendo que la nave impacte en el ojo derecho del satélite, Una vez que salen de la cápsula pueden ver admirados la tierra a lo lejos. Allí en la luna se encontrarán con un ejército seres  propios de allí que los apresarán pero que luego podrán escapar y así regresar a la tierra nuevamente. La nave caerá finalmente al fondo del mar, para luego salir a flote, siendo recogidos por un barco que los lleva a tierra, donde les espera la multitud para homenajearlos, levantándose un monumento en su honor.

"Viaje a la Luna" fue montado en un estudio parecido a un invernadero de iluminación solar, de 18 escenas teatrales o cuadros y con la cámara a cierta distancia de la acción. Fue la producción más ambiciosa de Méliès, ya que esta obra se presenta como una síntesis de sus intereses estéticos. Méliès expresa, a través de un conjunto de trucos, la lógica egocéntrica e infantil y el exhibicionismo de la parodia que caracteriza a las obras de Verne.

 Recordemos  la escena de la aparición de la Tierra en el firmamento mediante el movimiento del suelo del escenario, la utilización de maquetas, escenas como la rodada a través de un acuario y la de un traveling en el que se mueve el sujeto y no la cámara , el hombre de la luna se acerca a la cámara hasta quedar en primer plano; los trucos propios de la cámara para realizar desapariciones y transiciones, la fotografía sobre fondo negro y las dobles exposiciones para la secuencia del sueño de las deidades celestiales. Mediante una sobreimpresión se logró acoplar un plano de la nave espacial con otros planos del mar, lográndose así un efecto espacial.   Los actores realizan sus movimientos entre decorados de cartón, telones pintados y forillos, todos estos decorados eran de colores tonales grises creando así claroscuros, que paliaban la limitación de la cámara ortocromática utilizada.

La colocación de la cámara en posición frontal respecto al escenario, la combinación bidimensional con lo tridimensional, de personas reales que usaban falsos objetos, atribuye a la imagen un carácter fantasmagórico.

Link de Película:

https://www.youtube.com/watch?v=CGII3KEs63U